Los números de 2012

Los duendes de las estadísticas de WordPress.com prepararon un informe sobre el año 2012 de este blog.

Aquí hay un extracto:

600 personas llegaron a la cima del monte Everest en 2012. Este blog tiene 10.000 visitas en 2012. Si cada persona que ha llegado a la cima del monte Everest visitara este blog, se habría tardado 17 años en obtener esas visitas.

Haz click para ver el reporte completo.

Eduardo Chillida y Anthony Gormley

Eduardo Chillida nace el 10 de enero de 1924 en San Sebastián. Su primera exposición la realiza en París en 1950, año en que se casa con Pilar Belzunce. Ha recibido casi todos los premios existentes a lo largo de su vida: de la Bienal de Venecia al Kandinsky, del Wilhem Lehmbruck al Príncipe de Asturias, del Kaiserring alemán al Premio Imperial en Japón. Su obra está presente en más de veinte museos de todo el mundo, y exposiciones retrospectivas se han celebrado en Houston y en Berlín, en Madrid y en Caracas, en Londres y en Palermo. Sus esculturas se encuentran frente al mar como en San Sebastián, o en la montaña como en Japón, y en ciudades como Washington, París, Lund, Munster, Madrid, Palma de Mallorca, Guernica o Berlín. Sobre su obra han escrito arquitectos, matemáticos, filósofos como Martín Heideggeer y Emile Cioran, o poetas como Octavio Paz.

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Sus obras se caracterizan por la agregación y sustracción de elementos, y la creación de formas abstractas.

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Me llama particularmente la atención que nuestro profesor de proyectos nos lo muestre para inspirarnos a la hora de hacer un sistema de agregación de viviendas. Él nos habla de añadir y sustraer elementos hasta crear formas geométricas bellas en sí mismas. Y nos repite una y otra vez que en la arquitectura todo es posible.

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Esta escultura, por ejemplo, podría cumplir con esa idea de sustracción y agregación hasta crear espacios habitables, útiles y bellos.

Otro artista cuyo método de trabajo está basado en esto mismo, es Anthony Gormley. A diferencia de que él emplea más la agregación y repetición de elementos para crear formas.

Considerado el escultor británico más importante de finales del siglo XX, se sintió siempre atraído por el cuerpo humano como objeto de estudio, y hasta como herramienta y material de trabajo. En solitario, o a través de constelaciones metálicas, Gormley construye formas corpóreas que son a la vez figurativas y abstractas, reales e imaginarias, sólidas y etéreas. Su intención es atraer la atención del espectador para que visite el interior de sus obras, las rodee y hasta se convierta en parte de ellas.

Como dibujante y grabador, Antony Gormley trata de “mirar atrás, hacia la retina de la mente, y de frente, hacia el espacio” en un intento de plasmar el mundo “no como es, sino como existe dentro de mí”. Dibujar no es para él como mirar a un espejo, o a través de una ventana, sino como utilizar una lente en la que se puede ver desde cualquiera de los lados.

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Esta escultura me sonaba haberla visto antes. No quiero que penséis mal de mí, pero he visto algún capítulo de Geordie Shore y suelen intercalar imágenes de las ciudades en las que se encuentran los protagonistas de este programa. Una de esas escenas es esta escultura, que se encuentra en una cima de Gateshead.

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Las siguientes dos imágenes me recuerdan al land art de Walter de Maria, y una exposición llamada Earth Room New York (1977).

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(W. de Maria: )

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BODY ART AT&T

La campaña que os quiero mostrar hoy fue realizada para la empresa de teléfonos móviles AT&T.

El tema principal de esta campaña internacional consiste en usar las manos para representar un elemento simbólico de cada país. La técnica utilizada es el body art, es decir se pintan las manos y las colocan en una posición determinada para hacer referencia al país mientras sujetan el teléfono que publicitan. El efecto visual es magnífico y llama mucho la atención debido en especial al colorido de las manos.

Os dejo aquí todas las fotos porque no era capaz de dejarme ninguna sin publicar.

Costa Rica

Costa Rica

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China

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China

Canada

Canadá

Brasil

Brasil

Bahamas

Bahamas

Rusia

Rusia

paraguay

Paraguay

Noruega

Noruega

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México

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México

Marruecos

Marruecos

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Japón

Japon

Japón

italia

Italia

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Inglaterra

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Inglaterra

India

India

Holanda

Holanda

FranciaFrancia

Egipto

Egipto

Australia

Australia

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Sudáfrica

STEPHEN WILTSHIRE

Hace unos unos años viendo el telediario conocí a Stephen Wiltshire.

Stephen Wiltshire es un artista que dibuja y pinta paisajes urbanos. Stephen nació en Londres , Reino Unido. De niño era mudo y no se relacionan con otras personas. A los tres años fue diagnosticado como autista. A la edad de cinco años, Stephen fue enviado a una escuela especial donde se dieron cuenta que disfrutaba dibujando. Es aquí donde comenzó a comunicarse con el mundo a través del dibujo, los animales primero, luego los autobuses de Londres, y finalmente los edificios. Estos dibujos muestran una perspectiva magistral, una línea caprichosa, y revelan un talento artístico innato natural.

Stephen tiene dibujos de muchos lugares y otros de ciudades enteras, sin embargo, lo que a mí me llamó la atención y salió por televisión fue su capacidad para retener el paisaje urbano en su mente y luego dibujarlo.

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Lo fascinante de estos dibujos panorámicos de las ciudades es que los realiza después de ver la ciudad durante 30 minutos desde un helicóptero, aunque dependiendo de las dimensiones de la ciudad puede variar.

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Aquí dejo un vídeo para el que no se lo crea.

4′ 33”

Hace unos días me hablaron de este video, y me sorprendió tanto que no he podido evitar buscar información sobre él. Se trata de un concierto de John Cage que se llama 4’ 33’’, y lo que llama la atención es que no tocan ningún instrumento en los 4 minutos y 33 segundos que dura.

 Por lo que he investigado, John Milton Cage Jr. (Los Ángeles, 5 de septiembre de 1912 – Nueva York, 12 de agosto de 1992) fue un  compositor, instrumentista,  filósofo, teórico musical, poeta, artista, pintor y aficionado a la micología.  Fue pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX¸ y fue decisivo en el desarrollo de la danza moderna.

En estos tres movimientos que se interpretan sin tocar ni una sola nota, lo que Cage pretendía era que el espectador se concentrara en los sonidos que lo rodeaban, es decir, que el material sonoro de la obra lo componen los ruidos que escucha el espectador durante ese tiempo.

Me resulta muy curioso el hecho de que tanto Cage como los músicos pasen las hojas al acabar cada movimiento, aunque en todas ponga lo mismo: “Tacet”, lo que indica al intérprete que ha de guardar silencio y no tocar su instrumento. También me llama la atención que Cage se limpie el sudor de la cara en cada descanso, como si hubiera hecho un gran esfuerzo físico.

Según he leído, con el paso de los años 4′33″ se ha convertido en la obra más famosa y controvertida de John Cage.

Un mar de niebla

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Esta fotografía la hice en el paseo marítimo de Altea las navidades pasadas. Me gusta porque fue el día en el que aprendí a utilizar el modo automático de la cámara. Dejando que la fotografía se estuviera haciendo durante un minuto, y teniendo cuidado de no mover la cámara absolutamente nada, conseguí que las olas crearan este efecto tan bonito.

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Vermeer y la publicidad

Aunque ya he escrito dos posts sobre arte y publicidad, he querido publicar este también porque me ha llamado la atención.

Se trata de un anuncio de televisión que podíamos ver hasta hace pocos meses, de la agencia de viajes Trivago. La verdad es que no me había dado cuenta de la gran semejanza de esta escena del anuncio con el conocido cuadro de Vermeer “La joven de la perla”, y ahora que he encontrado esta comparación pienso que la relación es obvia. Me ha llamado la atención por la forma tan sutil en la que han hecho referencia a la obra.

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Otro cuadro del mismo artista que también ha sido utilizado para la publicidad es el de “La lechera”. Un ejemplo es este cartel de Nestlé:

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Two Door Cinema Club

Two Door Cinema Club es un grupo de música de Irlanda del norte que descubrí este verano por casualidad y que desde entonces no puedo dejar de escuchar. Escribo esta entrada porque, aunque me se la mayoría de sus canciones, nunca me había parado a mirar los videoclips, y la verdad es que son muy originales y merece la pena verlos. Me gustan porque tienen mucho color y juegan con la luz para crear distintos efectos, además tienen mucho movimiento y son muy alegres. Estos son los videoclips de mis dos canciones favoritas de este grupo, espero que os gusten tanto como a mi:

La vida de una pequeña artista

Y digo pequeña porque una vez se hizo mayor, dejó de serlo.
Esto es un hecho real, contado de primera mano.

La primera vez que cogí un lápiz, dibujé una araña. Sí, bien grande y con mil patas. Y me podía tirar horas y horas dibujando arañas sobre un folio. Esto se lo debo a mi madre, que les tiene fobia, y en un periodo de mi vida, me lo contagió a mí.
Al llegar al colegio, con solo 3 añitos, mis dibujos (que para mí solo son garabatos) plasmaban mil cosas que los profesores, el psicólogo del colegio y la directora del centro, consideraban admirables. Mi madre, cada vez que la llamaban para comunicarle alguna novedad, dice que se asustaba, pero que siempre eran buenas noticias. “Me decían que eras muy inteligente y observadora, y que tenías una gran capacidad para expresarte”
Son solo opiniones…
Llegué a primaria, y todos los años ganaba el concurso de dibujo de la falla que convocaba mi colegio. Para mí era importante, y me hacía sentir genial.
A la edad de 9 años, mi mano ágil no tenía límites, así que mis padres decidieron apuntarme a la academia de los Amigos de las Artes Plásticas de Quart de Poblet.
Mi primeros dibujos eran a lápiz, y poco a poco fui subiendo de nivel. Pasé al uso del carboncillo y luego a la acuarela y al óleo. Llegar a este último escalafón para mí fue lo más de lo más.
Pinté unos 20 cuadros al óleo, y 5 ó 6 a acuarela durante este período. Llené dos cuadernos de dibujo a carboncillo y lápiz.
Me encantaba. Me volvía loca.
Arquitectura desde siempre ha sido mi única vocación. Y desde pequeña me veía atraída por ella y por el hecho de dibujar y diseñar sin parar.
Por fin hice selectivo y fui aceptada en la ETSAV. (No veía el día en que llegara, estaba super feliz)
Y yo, tan llena de entusiasmo y felicidad, tuve mi primer encuentro con AFO (Análisis de Formas Arquitectónicas) y fue un auténtico desastre.
A los profesores no les gustaba que hiciéramos las líneas “peludas”, y las querían rectas e impecables, cosa que no va mucho con mi estilo. No nos dejaban indagar ni probar técnicas nuevas, ni equivocarnos, ni hacer sombras, ni colorear el cielo… El uso de la acuarela y la tinta debía estar restringido y teníamos que pedir permiso para poder usarlo, y si ellos consideraban que podías dominarlo, entonces eras libre de poder emplearlo; en caso contrario, te limitabas al lápiz.
Vi cómo mi creatividad se limitaba a lo que ellos esperaban de nosotros. Me sentía oprimida, y cada vez que tenía que hacer un dibujo me sentía fatal, sin ganas, porque consideraba que no les iba a gustar, y que no superaría el 5. (Esto fue así durante todo el curso)
En mi opinión, con guardar proporción entre los volúmenes y colocar bien los puntos de fuga, debería bastar para que una cónica estuviera bien hecha, y que luego, todo lo demás, sería elección de cada uno. Pero por lo visto, en la arquitectura eso no es así.
Después de haberla aprobado, echo la vista atrás y me doy cuenta de que éramos robots programados para dibujar, y que desde entonces ya no soy la misma: ya no me gusta coger un lápiz.
Me he cuestionado millones de veces si realmente nunca he dibujado bien, o si los adultos que me rodeaban y me animaban, en verdad me lo decían porque creían que era lo que estaba esperando oír. Quizá esa exposición que hice con 10 años no sirvió para nada, ni tampoco los trofeos ni los diplomas. Nada de nada ha servido, probablemente.
Por eso quería deciros que tenéis que dar lo que los demás os pidan o esperen de vosotros, pero que no os olvidéis de recordar que en el fondo, todos llevamos un artista dentro, y que nuestro estilo nació a la vez que nosotros, como otro ser inerte que forma parte de cada uno.

 

 

(Cuadros pintados con 9-11 años)

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Una mirada al pasado

Al ver tantas fotografías de Valencia últimamente en el blog, me he acordado de unas que me enseñó mi tío hace un tiempo. Son de hace ya bastantes años, y en ellas se ve el gran cambio que ha sufrido la ciudad en tan solo un siglo o incluso menos.

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Estas dos son de cuando se estaba construyendo el mercado central, en la foto de arriba al fondo se ve la Lonja.

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Esta fotografía es de la Plaza del Ayuntamiento. Según me explicó mi tío, antes estaba hueca por bajo y ahí dentro había pequeños puestos donde se vendían flores. En estas imágenes se ve:

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Más tarde ese hueco desapareció, y la plaza quedó así:

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Como muestra la imagen, la plaza ya se parecía bastante a como está actualmente, aunque aún faltaban algunos edificios.

Estas dos fotos son del mismo sitio en la Plaza del Ayuntamiento: la primera fue tomada durante la riada del 57 y la segunda es actual.

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Y estas son de las Torres de Serrano cuando aún no estaba asfaltada la calle:

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Las dos fotografías siguientes son de una calle al lado de mi casa, en el tramo de las vías del tranvía entre Pont de Fusta y Sagunt. Aunque parezca increíble están tomadas en el mismo sitio, y no hace tanto tiempo que se hizo la primera:

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Estas dos son del Almudín, que no ha cambiado mucho con el paso del tiempo: la primera se hizo en el año 1917 y la segunda en el año 2012.

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Y estas fueron tomadas mientras se estaban construyendo los túneles y las instalaciones del metro:

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Aquí se ve el Puente de la Exposición, ambas fotografías están hechas en el mismo sitio, pero la primera en el año 1957 y la segunda en el año 2012.

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Lo mismo ocurre con estas dos, que muestran la calle Pintor Sorolla en las mismas fechas respectivamente:

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Este es el Puente de San José, la foto está hecha desde donde se pone la falla de Na Jordana:

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Y esta es una foto del río lleno de agua de lado a lado, está hecha en la zona de la Zaidía:

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Aquí se ve cómo han cambiado la Plaza de la Reina y la calle Zaragoza:

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Esta es de cuando estaban construyendo el puente que he mencionado antes: el puente de la Exposición o Puente de la peineta, en 1994.

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Este es el proyecto que se propuso para el cauce del río Turia después de la riada, menos mal que no se llevó a cabo:

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Aquí se ve el cambio que ha sufrido el cruce llamado popularmente: “El fielato”, que se encuentra en la Avenida Constitución a la altura del colegio Salesianos. La primera fotografía fue tomada en 1960 y la segunda en 2012.

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Y esta fotografía aérea se hizo antes de que existiera Port Saplaya.

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Actualmente esos terrenos están así:

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Y aquí se ve el estadio del Levante cuando estaba rodeado de campos:

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Por último, me gustaría enseñaros estas dos fotografías de máquinas antiguas de golosinas, que aunque no tienen mucho que ver con las imágenes anteriores, me parecen muy curiosas:

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Arte y Arquitectura: The Happiness Machine / Mark Lascelles Thornton

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Mark Lascelles Thornton es un artista inglés especializado en el uso del tiralíneas en un soporte tan sencillo como lo puede ser un papel en blanco. The Happiness Machine se llama su último proyecto, compuesto por ocho paneles dibujados en tonos grises y rojos, cada uno representando alguna ciudad ícono de la arquitectura de este siglo; Nueva York, Chicago, Londres y algunas ciudades asiáticas como Taipei o Kuala Lumpur.

La pieza final -los ocho paneles- medirán 2.4 x 1.5 metros.

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Me recuerda a la asignatura Análisi de Formas Arquitectónicas, y ese empeño por parte de los profesores de conseguir que hiciéramos obras maestras de estas magnitudes.

Nos quedamos todos los alumnos en el intento de serlo.

Lady GaGa y el ArtPop

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¿Qué sabemos acerca de “ARTPOP”? ¿Estamos listos para la Revolución que quiere hacer Lady Gaga?

“Lo que hago es lo que yo llamo “ARTPOP “: es lo que yo, por ser artista, recibo de la música.”

“ARTPOP”: es la música que Lady Gaga escribió en la época “The Fame”. Su música está llena de “POP” y de “ART”. Su música se podría llamar, “ARTPOP”. Mi “ARTPOP” puede significar cualquier cosa.”

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Quiere organizar una Revolución muy grande, en la música pop. Gaga eligió la palabra “ARTPOP”, ya que está cerca del significado de la palabra “PopArt”.De hecho, tienen el mismo valor.

PopArt”: fue el estilo artístico que surgió a mediados de 1950 en Reino Unido, y a finales de 1950, en  EE.UU. El propósito de esta tendencia, era la Revolución a través del arte. Gaga quiere hacer una Revolución en la cultura popular, utilizando la música y el arte conjuntamente. Nuestra Mother Monster ha logrado cambiar el mundo de la música pop, después de haber hecho una especie de Revolución, trayendo una nueva calidad a la música pop y un estilo sin igual, que combina todo lo bueno que era el genio de la cultura pop.

De hecho, ya ha comenzado una Revolución en la cultura popular, por ejemplo, con respecto a la moda, Gaga se ha convertido en un icono reconocido en el estilo.

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“Born This Way”: un nuevo paso en la evolución de Gaga y su preparación para la verdadera Revolución. El tercer álbum de estudio de Gaga es como una oda a la auto-afirmación y a la libertad personal. Tal vez sea el más fuerte, emocionalmente hablando: describe la “oscuridad” de la era en la creatividad de Lady Gaga.

“Creo que cuando escribí las canciones de” Born This Way “, me mostró un sentido de madurez. Creo que el próximo álbum no tiene la madurez suficiente (risas). Tiene una increíble falta de madurez y de sentido de la responsabilidad”.

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Podéis leer más en la web:

http://ladyqueengaga.blogspot.com.es/2012/12/teoria-de-la-revolucion-artpop.html

Este videoclip ha sido muy criticado por el tema de la creación.

En mi opinión, ella se propone crear controversia, que esté en la boca de todos… De esta forma consigue promocionarse y hacer publicidad de su música. Me parece un método muy inteligente. Además, los fans han demostrado estar ahí de manera incondicional.

Se trata de una gran artista, y sin duda va a conseguir revolucionar el mundo de la música, del mismo modo que hizo Madonna hace 25 años.

PANTONE

PANTONE® es la autoridad de renombre mundial en color y proveedor de sistemas de color para la selección y la comunicación precisa del color . El nombre PANTONE ® es conocido mundialmente como el lenguaje estándar para la comunicación del color del diseñador al fabricante.

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En 1963 el fundador Lawrence Herbert creó un sistema innovador para identificar los colores para solventar los problemas asociados con las coincidencias exactas de color en la comunidad de las artes gráficas. Como ya sabemos cada color es visto e interpretado de forma diferente por cada individuo, este hecho condujo a la innovación del PANTONE MATCHING SYSTEM ®, un libro de color normalizado en formato ventilador.

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Desde este momento PANTONE ® ha ampliado sus campos de influencias hacia otras industrias (tecnología digital, textiles, plásticos, interiores arquitectónicos y pintura).

Hoy en día sigue desarrollando herramientas de color para conseguir una gran variedad.

Además de todo esto PANTONE ® se encarga de elegir todos los años la paleta de colores. Recientemente ha salido el color del año 2013, el color PANTONE 17-5641, es decir, el color Esmeralda , un animado, radiante y exuberante verde.

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También os dejo la paletas de colores del 2012.

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Al margen de esto se ha creado una “cultura” que aplica el diseño Pantone a cualquier objeto cotidiano. Muchos habréis visto ya los clásicos como las tazas o las libretas, pero hay todo tipo de objetos. Sin embargo creo que al principio, cuando se trataba de objetos exclusivos era divertido y original, ahora yo encontramos en cualquier lugar. He de decir que a mí me gustó desde el primer momento, pero ahora se ha convertido el algo masivo.

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Imaginaos como se ha expandido esta cultura que hay tartas que reproducen algunos colores, aunque he de decir que me parece super original.

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Podemos encontrar también accesorios y electrodomésticos para la cocina e incluso un hotel totalmente ambientado.pantone21

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El arte de la fotografía

Siempre me ha fascinado la fotografía, y mucho más si se trata de ciudades, culturas y gente.

Es una forma de viajar a través de las fronteras y los muros de separación, de conocer cómo se vive allí, sus formas de divertirse…

National Geographic te ayuda a acercarte un poco más a todo ello. Y por eso me encanta todo aquello que capturan sus fotógrafos.

¿A quién no le llama la atención las autopistas sobre el aire? El ruido de la ciudad, sus paseantes…

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Me encantaría estar ahí debajo y escuchar el ruido de los coches mientras como comida para llevar típica de China.

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Por no hablar de las maravillosas vistas que se consiguen con la presencia de la niebla, ese toque misterioso y de ensueño que cubre San Francisco en esta imagen, y los altos edificios de Chicago en la siguiente.

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Y asomarse a una ventana en el piso 72º y perder la noción del tiempo y la distancia hasta el mundo que existe a tus pies.

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Los rascacielos son una forma de acercar a las personas hasta el cielo, de hacerles volar y darles la sensación de que todo es posible a esa altura…

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… como tomar un baño en lo alto de Singapur, en unos de los rascacielos más emblemáticos, mientras tu vista se pierde en el infinito…

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… o tener la ciudad de Florencia a tus pies, donde te entran ganas de dejarte caer sobre esa cubierta ondulada que parece un tobogán. Me fascina el color de las tejas, muy típico de la Toscana, el calor, los helados, el acento italiano y su estilo de vida, típicamente mediterráneo.

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Igual que también me fascina la vida saludable de los orientales, que son capaces de combinar la modernidad de la construcción y la tecnología, con las costumbres antiguas de Shangai.

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El Taj Mahal, fotografiado sobre el Taj Negro, mientras un hindú llena un cántaro de agua en mal estado.

Es una forma de conocer sus costumbres, sus vestimentas y las condiciones de vida…

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… que me hace recordar la vida en Omán, y el uso del velo beduino, que empiezan a usar las mujeres cuando alcanzan la pubertad.

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Se percibe un gran contraste con la diversión de estos jóvenes en un parque acuático de Perú.

Me encanta la capacidad del fotógrafo, o de su cámara, de captar el movimiento perfecto de los chorros de agua.

La luz y el reflejo del agua, en contraste con la oscuridad de la noche, crea una magnífica armonía que hacen que la fotografía sea preciosa.

Como conclusión, y para mostrar lo mucho que me encantan las ciudades, quería enseñaros un video del aterrizaje de un avión en Los Ángeles. Me encanta porque me entra esa sensación en el estómago de estar volando y me entran ganas de viajar.

 

 

 

Cosas de casa

Hace ya tiempo que me apetece publicar esta entrada. De ver tantos cuadros y esculturas de tanta gente me han entrado ganas de mostrar también las obras hechas por mi familia, que aunque no sean comparables a las que vemos en clase, a mi me gustan mucho también.

El arte y la artesanía ha estado presente en mi familia desde hace varias generaciones, sobre todo por parte de mi madre.

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Este plato decorativo lo pintó mi bisabuela Rosa en 1946 en Manises, es una decoración típica de la época basada en motivos incluso medievales, que solían tratar sobre distintos oficios (en este caso es un cazador).

 En aquellos años los fabricantes repartían las piezas sin decorar por las casas, para que las amas de casa las pintasen (pero con el tema elegido por el fabricante), de esa forma les salía más barata la mano de obra y las mujeres se sacaban un sueldo para contribuir a la economía familiar. Luego recogían las piezas y las llevaban de nuevo a la fábrica para cocerlas y darles el acabado con barnices. Esta era una de las pocas maneras que tenían las mujeres de ganar dinero, ya que estaba mal visto trabajar fuera de casa si estabas casada.

Una de las hijas de Rosa, mi abuela Josefa, que también pintaba cerámica, empezó a trabajar a los 16 años en una fábrica de cerámica decorativa, que pertenecía al que luego sería su marido, mi abuelo Ignacio. Mi abuela se dedicaba a decorar las piezas más difíciles y delicadas, y mi abuelo modelaba y decoraba también.

Estas son algunas de las piezas que conservo en mi casa que se hicieron en la fábrica:

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Desgraciadamente, después de la riada de 1957, el terreno de la fábrica de mi abuelo fue expropiado para poder llevar a cabo el proyecto del nuevo cauce del río Turia. Aunque mi abuelo luego tuvo otros oficios, siempre conservó su afición a la pintura y realizó diversos cuadros con acuarela y con óleo, pero solo como un entretenimiento.

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Esta afición por el arte la heredaron sus dos hijas, mi madre y mi tía, y ambas estudiaron Bellas Artes. El primer trabajo de mi madre consistió en ser escultora de una fábrica de porcelana de una conocida marca, y estas son algunas de las figuras modeladas por ella:

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No sé muy bien porque, pero las caras de las figuras femeninas modeladas por mi madre me recuerdan a la suya.

Aunque solo estuvo en esa fábrica 5 años, aun encontramos algunos modelos en tiendas, que se siguen fabricando con ciertas modificaciones. Actualmente, como profesora de dibujo, aun pinta algunos cuadros, como por ejemplo:

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